'Pedsakai lede' 'Tracks on Ice' , Vilnius (Gegužė 2024)
Sukūrus „Nimbus NeueHouse“, meno kūrinį, kurį užsakė tarptautinė bendro darbo erdvės įmonė „NeueHouse“ 2015 m. Leidimui „Frieze New York“, atspindėjo eksperimentų metai, planavimo mėnesiai ir pasiruošimo dienos. Tačiau olandų menininko Berndnauto Smildės sukurtas gomurio debesies, plūduriuojančio Manheteno pastato laiptinėje, modeliavimas truko tik akimirką. Nuo 2012 m., Kai jis inicijavo „Nimbus“ seriją, Smiltė statė panašius atmosferos reiškinius, kuriuos jis apibūdino kaip „laikinas beveik nieko skulptūras“, o „Nimbus NeueHouse“ pastatymas vyko kruopščiai sukalibruotu procesu. Po to, kai „NeueHouse“ buvo išjungta oro cirkuliacijos sistema, savadarbis biuro pastatas, kurį 2013 m. Įmonei suprojektavo Davidas Rockwellas, „Smilde“ ir jo įgula, netinkamai apšvietė grindis ir sienas.Pasiekęs reikiamą temperatūros ir drėgmės balansą, jis dūmų mašina sukūrė rūką, pakartodamas procesą, kol ištobulėjo puikus debesis ir išlaikė savo eterinę formą pakankamai ilgai, kad būtų galima fotografuoti. Nuotraukoje buvo užfiksuotas rezultatas, tačiau Smildės laikmenos - dūmai, rūkas ir drėgmė - padarė kūrinį iš prigimties efemerišką.
Nepaisant ilgalaikio įsitikinimo, kad meną apibūdina jo materiali ištvermė - „Ars longa“, „vita brevis“, vaizduojamojoje dailėje visada buvo mutabilumo aspektas. Akmuo ardo, laikui bėgant keičiasi metalo korozija, pigmentai. Kai kurie metodai, pavyzdžiui, smėlio dažymas, įtraukia laikinumą į numatytą paskirtį, tačiau nuo 1950 m. Pabaigos efemeras įkvėpė naujas šiuolaikinio meno kryptis. Allano Kaprovo, Claeso Oldenburgo ir anti-art Fluxus grupės inscenizuotos scenos ir performanso menas buvo ribotos trukmės. Žemės menas - tokių menininkų kaip Robertas Smithsonas ir Richardas Longas - buvo kryptingai eksponuojamas ir pakeistas elementais. Šie nauji tyrinėjimai sukūrė sąvoką „efemeriškas menas“, iš prigimties lanksčią sąvoką, kuri galiausiai buvo taikoma plačiam spektaklio ir instaliacijos spektrui,paprastai išsiskiria išskirtiniu įvykiu ar efektu, kuris išlieka tik dokumentine forma. Pats žodis, kilęs iš graikų efemeros, reiškiantis „trunkančią vieną dieną“, buvo geriausiai įsikūnijęs į darbus, kurie greitai savaime sunaikinti, pavyzdžiui, Andy Goldsworthy 2 m aukščio (7 pėdų) aguonų žiedlapių kaspinas, kurie buvo pritvirtinti tik jo seilėmis, o po to pūtė vėjas (1984). Naujausi darbai padarė įtaką medžiagų nestabilumui. Kara Walkerio kolosalioji skulptūra „Subtilumas“; arba „Stebuklingo sfinkso pavidalo“ nuostabus cukraus kūdikis su stereotipinės „mamiškos“ figūros galva, pagamintu iš cukraus ir kukurūzų sirupo, dengiančio polistireno šerdį, sudužusiame paukštidėje, uždaroje „Domino“ cukraus rafinavimo gamyklos vietoje, esančioje Rytų upė Brukline. Visą 2014 m. Vasarą grūdėtas paviršius pasikeitė,ir melasos kvapas sustiprėjo. Parodai uždarius skulptūra buvo sunaikinta; netrukus tvartas buvo nugriautas. Vėliau tais metais Birmingeme (Anglijoje) brazilų menininkė Néle Azevedo įrengė 5000 mažo masto sėdinčių ledo vyrų Chamberlaino aikštėje, kad paminėtų bevardžius Pirmojo pasaulinio karo civilius aukas. Remdamasi jos „Lydymosi vyrų“ serijos, pradėtos 2002 m., Idėja pritraukti Atkreipdamas dėmesį į klimato kaitos pavojų, Azevedo pabrėžė būdingą jos figūrų netobulumą - aspektą, kuris paneigė įprastas prielaidas apie memorialinę skulptūrą, gilindamas jos pikantišką duoklės pranešimą.Chamberlaino aikštėje tūkstančiai mažų vietų sėdinčių ledo vyrų paminėti bevardėms Pirmojo pasaulinio karo civilėms aukoms. Remdamiesi jos „Lydytų vyrų“ serijos, kuri buvo atidaryta 2002 m., Kad pritrauktų dėmesį į klimato pokyčių pavojus, idėja, Azevedo pabrėžė būdingą nenuoseklumą. jos figūros - aspektas, kuris paneigė įprastas prielaidas apie memorialinę skulptūrą, gilindamas ją į piktybišką duoklės pranešimą.Chamberlaino aikštėje tūkstančiai mažų vietų sėdinčių ledo vyrų paminėti bevardėms Pirmojo pasaulinio karo civilėms aukoms. Remdamiesi jos „Lydytų vyrų“ serijos, kuri buvo atidaryta 2002 m., Kad pritrauktų dėmesį į klimato pokyčių pavojus, idėja, Azevedo pabrėžė būdingą nenuoseklumą. jos figūros - aspektas, kuris paneigė įprastas prielaidas apie memorialinę skulptūrą, gilindamas ją į piktybišką duoklės pranešimą.
In 2000 at the Prada Foundation, Milan, when Marc Quinn’s installation Garden was disassembled, the rare flowers—preserved in subzero silicon—were exposed to air and immediately turned black. In contrast to the stasis that Quinn sought for the duration of Garden, Berlin-based artist Paula Doepfner embraced the ephemerality of botanical materials in her 2015 solo exhibition “Take It Right Back,” at the Goethe-Institut, Washington, D.C. As the flowers in her delicate graphic works dulled and dried, their message of fragility and transience heightened. For Rebecca Louise Law’s floral installation Outside In, for the Viacom Building in New York City’s Times Square, she used 16,000 individual flowers, including thistles, peonies, ranunculus, and more than 40 varieties of roses. With the help of 200 volunteers, Law threaded the fresh blooms on copper wire to create dangling sprays that hung from two of the building’s entrances and from the visitors centre. Over the three-month installation, the bright hues darkened as oils accumulated in the downward-facing leaves and petals. Exploiting that process of natural preservation, Law planned to reuse the flowers as “encased” material in vitrines. Growth rather than decay dictated the length of Doris Salcedo’s installation Plegaria muda (“Silent Prayer”). Conceived in 2008 in response to gang violence and reprised for her 2015 solo exhibition at the Museum of Contemporary Art, Chicago, the work presented pairs of hand-crafted tables, one inverted atop the other, with a thin layer of soil between them. Over the course of the three-month exhibition, grass germinated in the soil, reaching its fullest growth at the end. For Empty Lot, the inaugural Hyundai Commission, Mexican artist Abraham Cruzvillegas asked local parks to contribute a wheelbarrow of topsoil to create a green space in the Turbine Hall of Tate Modern, London. Various soils contained different seeds, which sprouted and would grow from October 2015 until April 2016, when Cruzvillegas planned to offer the soil for recycling.
In his own exploration of the impermanence of materials, Michel Blazy gathered random objects—moldering garments, bleach-soaked paper, obsolete technical devices—and let the natural process of deterioration take its course in the spring 2015 exhibition “Pull Over Time.” Regarding the pristine white space of Paris’s Art:Concept gallery as his “laboratory,” Blazy installed the objects and explained simply, “I offer them time.” Along with expected organic and chemical reactions, a few leaves sprouted among the objects he installed. In an echo of Goldsworthy’s pioneering poppy ribbon, Cypriot artist Socratis Socratous’s Incarnation, presented at the 17th edition of the Armory Show in New York City, featured loosely baled bundles of carnations and grass placed on the floor to dry, shred, and scatter throughout the fair’s duration. David Best, who was known for the combustible structures that he had built for the Burning Man festivals in the Nevada desert, used planned destruction as a tool of reconciliation in a temple that he built in Londonderry (Derry), N.Ire., for the annual remembrance of the Siege of Derry (1688). The wooden structure, built with the help of local youths, stood for only a week but hosted 60,000 visitors, who wrote their remembrances of the “Troubles” on its gracefully carved beams and arches. On March 21, 2015, in contrast to the violence of years past, a crowd of Roman Catholics and Protestants gathered together in silent reverence as flames engulfed the temple.
With an emphasis on the momentary experience, performance art was inherently ephemeral, but in January 2015 “A Year at the Stedelijk,” at Amsterdam’s Stedelijk Museum of modern and contemporary art, raised the concept of unsettling transience to a new level. Relational artist Tino Sehgal, whose decadelong career was surveyed throughout the year via a different performance each month, declined to release a schedule and, in keeping with his practice, prohibited documentation. Once performed, the work no longer existed. Even more intriguing than the fleeting experience of action was the natural transformation of matter as proposed in August 2015 by William Kentridge for the durational installation Triumphs and Laments, which, beginning in April 2016, would unfold along a 550-m (1,804-ft) stretch of the Tiber River in Rome. Drawing upon the region’s ancient culture, the South African artist began to design 90 stenciled figures that were up to 10 m (33 ft) high to be affixed to the stone embankments flanking the river. After the walls were power washed—to remove thick layers of chemical, organic, and botanical deposits—the stencils would be removed to reveal silhouettes that they had protected. As layers of pollution accumulated, organic deposits would rebuild, and nature would reassert diverse growth, thus subsuming the figures, and the installation, in the true spirit of ephemeral art, would disappear.
